lunes, 7 de febrero de 2011

Gary Moore y el adiós



Gary Moore está considerado como uno de los mejores músicos de la historia de las islas británicas. En una carrera que se remonta a la década de los 60, hay pocos géneros musicales que no hayan tocado sus virtuosas manos, y ha formado parte de destacadas bandas de rock, como son Thin Lizzy, Coliseum II y Skid Row, por nombrar sólo tres. Gary nació en Belfast, Irlanda del Norte, el 4 de abril de 1952. Como muchos otros, se vió atraído por el rock and roll, primero a través de Elvis Presley, y luego por The Beatles. Ver a músicos de la talla de Jimi Hendrix y John Mayall's Bluesbreakers en su ciudad natal a mediados de los años 60 le llevó a sumergirse totalmente en el fascinante mundo del Blues. El arte de la guitarra blues, interpretado por tales exponentes, como Peter Green, disparó el talento emergente de Moore, y no transcurrió mucho tiempo antes de que fuera considerado un prodigio musical durante su dolescencia.

La primera gran banda de Gary fue el power trío Skid Row, que obtuvo un contrato discográfico con el sello CBS en 1970. En ese momento, Gary se había trasladado a Dublín, donde se hizo amigo de Phil Lynott, que ocupó el puesto de vocal en Skid Row hasta poco antes de que se firmara el contrato con CBS. Gary grabó tres discos con la banda, e hizo una gira por los EE.UU junto a The Allman Brothers Band y Mountain, entre otros, antes de separarse de Skid Row para embarcarse en su carrera como solista. Este proyecto fue de corta duración, porque Gary, poco después, se unió a Phil Lynott como sustituto de Eric Bell en la formación de Thin Lizzy. A pesar de ocupar dicho puesto durante muy poco tiempo volvió a la formación tras la marcha de Brian Robertson en 1977, y otra vez, por último, durante la gira del álbum "Black Rose" en 1978.

En 1979, la carrera solista de Gary comenzó en serio con el single "Parisienne Walkways", que mostró el estilo emblemático de Gary, empapado de blues junto a la temperamental voz de Phil Lynott que aparecía como artista invitado. El single alcanzó el Top Ten en el Reino Unido en abril de ese mismo año, y su siguiente álbum, "Back On The Streets" también fue muy bien recibido.

El guitarrista Gary Moore ha fallecido el día 6 de febrero de 2011, en la Costa del Sol, Málaga, a los 58 años de edad. El músico irlandés falleció en el hotel Kempinski de Estepona por causas que aún se desconocen.

La muerte del excepcional y prodigioso guitarrista, desde hoy convertido en una leyenda de la guitarra moderna, fue confirmada por el propio mánager de Thin Lizzy, Adam Parsons, en la cadena británica BBC, aunque no precisó más detalles.



Grinding Stone, del álbum del mismo nombre, 1973




Parisienne Walkways, 1979


Para saber mas... Fuente

viernes, 5 de noviembre de 2010

Vox Dei


Hace un par de añitos, escribí este post. Ante el reciente fallecimiento de Ruben Basoalto, no se me ocurrió otra cosa que esto. Me gusta recordar a los hombres por sus obras, que en definitiva, es lo que los hace eternos para el resto de lo mortales.




Bienvenidos al Rock Suburbano. A finales de los ´60, si había algo más difícil que querer tocar Rock en la Argentina, era querer hacerlo proviniendo de los suburbios. En Quilmes, bien al sur de conurbano bonaerense, en la primavera del ´67 se juntan unos muchachos con ganas de tocar. Ellos eran Willy Quiroga, Rubén Basoalto, Ricardo Soulé y Juan Carlos Godoy. No tenían un peso partido al medio para comprar instrumentos, y el primer bajo que pudieron armar fue de fabricación cacera, y según comentase tiempo después Willy Quiroga, estaba tan doblado que podía usarse para lanzar flechas.

En un principio, Ricardo Soulé oficiaba de bajista y Quiroga de guitarrista, junto con "Yodi" Godoy. Soulé era el único que había estudiado música seriamente (entiéndase por ello, en un conservatorio) y su instrumento era el violín, el mismo que tocaba en alguna que otra canción. Con el tiempo, el virtuosismo de Ricardo, lo llevó a hacerse cargo de la primera guitarra del grupo, Quiroga gustosamente aceptó.

Se llamaron Match 4 (nombre puesto por Quiroga, quien había pasado por la escuela de aviación) y cantaban en inglés temas propios y, obviamente, covers. En un festival, un hombre flaquísimo que ya comenzaba a tener un poco de fama, les sugirió "con lo rico que es el idioma ¿Por qué no cantan en castellano?" Sin quererlo, Luis Alberto Spinetta, estaba llevando a las nuevas promesas por el camino indicado.

Tras varios shows, la banda consigue audicionar para Jorge Álvarez (productor de Manal, Almendra y Sui Generis, entre otros hitos) quien ocupaba un gran puesto en la primera discográfica de rock argento, Mandioca. Fue el mismo Álvarez que les sugirió a los chicos que con ese nombre no iban a ningún lado. A Quiroga le vino a la mente la frase "Vox Populi, Vox Dei", que en latín, a grandes rasgos, quiere decir "La Voz del Pueblo es la Voz de Dios". Corría el año 1969.

Ese mismo año, graban para Mandioca lo que sería su primer single, "Azúcar Amargo" y "Quiero Ser". Meses después graban un segundo simple que pasaría casi inadvertido hasta que fuera regraba dos años después en un formato más rockero. Estamos hablando de uno de los más grandes clásicos de la historia del Rock Nacional: Presente.


Estos simples que fueron bien vendidos, llevaron a que el grupo tuviera acceso a su primer Larga Duración. En 1970 ve la luz "Caliente". Pero eso no era lo importante. Soulé y compañía venían gestando lo que sería la primera obra conceptual del rock en castellano. "La Biblia".




No hacía mucho que se había editado "Tommy" de The Who, obra que influyó notablemente en la concepción de hacer rock. Vox Dei lo capitalizó al extremo. Entraron a estudios solo con una canción completa y muchas ideas en la cabeza. EL trabajo prácticamente se compuso en estudio, a excepción de Génesis, que ya fuera estrenada en un show en vivo previo a la grabación.

Como no se puede analizar la historia sin tener en cuenta el contexto, hay que mencionar que por esos años, la Argentina se encontraba bajo un gobierno de facto. De más está decir que la obra despertó inquietudes de la Iglesia Católica de nuestro país, cuyas autoridades le requirieron al sello Mandioca la entrega de las letras para "controlarlas" antes de su publicación. El Arzobispo de Buenos Aires, Cardenal Antonio Caggiano, no solo la autorizó, sino que además dirigió unas palabras a los músicos: "A mí me hubiera costado tres horas explicar qué es Dios y vos apenas con un silogismo lo conseguiste." Se refería a "Él era el principio y de la noche hizo luz", obrante en Génesis.


El disco era grabado bajo una presión constante que recaía sobre los músicos, ante la expectativa que se generaba en torno a la obra y sobre todo, por la quiebra de Mandioca. Finalmente fue editado por el sello "Disc Jockey", quienes cometieron un error gravísimo. En la contratapa del álbum, invirtieron los nombres de las canciones de "Profecías" y "Libros Sapienciales", generando una confusión terrible (de hecho yo, 20 años después de editado el disco, no entendía porque los nombres coincidían con las letras inversamente). Toda esta presión llevó a una pelea irreconciliable entre Godoy y Soulé, por lo que el primero de ellos, abandonó la banda una vez finalizada la grabación. Su voz es la de la segunda parte de "Las Guerras" y la de "Cristo".


En 1974, el Ensamble Buenos Aires (orquesta que se puede escuchar en Cuando Ya Me Empiece a Quedar Solo y Rasguña las Piedras de Sui Generis) decide llevar a cabo una versión un tanto más pesadita del disco, que ya de por sí tenía un sonido potente, muy a lo Black Sabbath. Aliándose con la Pesada del Rock Nacional, se grabó la obra integra con músicos de la talla de Claudio Gabis, Jorge Pinchevsky, Charly García, Black Amaya, David Lebón, Oscar Moro, Carlos Cutaia, Alejandro Medina, Billy Bond y otros grosos más. Vox Dei, a pesar de haber dado el visto bueno, no pudo participar de modo alguno por esas cosas que tienen las discográficas.

La carrera de Vox Dei continuó más allá de La Biblia, aunque nada volvió a ser lo mismo. Es una regla casi general que cuesta sobrevivir a una obra tan superior como lo fue este trabajo increíble desde el punto de vista musical y cultural.



En 1972, Vox Dei edita "Jeremías Pies de Plomo", que sería un éxito arrastrado por la obra anterior. Lejos de lo conceptual, es un soberbio disco de flor, rock y blues. En el mismo están muchos de los clásicos del grupo: Detrás del Vidrio, Juntando Semillas en el Suelo, Si Separarnos Más y Ritmo y Blues Con Armónica.
En 1974 y luego de editar un disco en vivo (La Nave Infernal) la banda edita "Vox Dei para Vox Dei" y Soulé se va del grupo. La carrera siguió erráticamente hasta nuestros días, con idas y vueltas de Soulé y obviamente, con una merma en la calidad de las composiciones ante la ausencia de su principal autor.

sábado, 25 de septiembre de 2010

Barry White

Sinónimo del apriete y de la música para estar a solas con una chica, varios jóvenes deben su existencia a algún disco de Barrence Eugene Carter, más conocido como Barry White. Poseedor de una voz increíblemente grave y, a la vez, melodiosa, Barry no imaginaba que podría llegar a donde llegó. Nació en un barrio marginal de Los Angeles y a los 15 años ya estaba preso. Sin embargo, dijo que esa estadía en la carcel le cambió la vida. Al poco tiempo era Director del coro de la Iglesia a la que asistía con su familia y comenzó a grabar discos con diversas formaciones y dudoso éxito.


Hay quienes creen en los golpes de suerte. El caso de Barry no fue el ejemplo. Luego de años de grabar sin pegarla, en 1969 arma la Love Unlimited, un trío vocal femenino con el que edita, en 1973, el álbum I’ve Got So Much To Give. Al álbum le fue más que bien, para ser un disco debut, por lo cual los productores accedieron a darle lo que pidiera. Barry hizo realidad sus ambiciosas pretenciones y creó una orquesta gigante para lo que era el mundo del Soul. Así nació la Love Unlimited Orchestra, con la que edita en 1973, el disco Rhapsody in White. Y ahí llega la fama internacional, de la mano de Love´s ThemeEl boom era un hecho y  Barry White se convirtió en el ícono del Soul, compartiendo el trono de aquellos años con un joven Stevie Wonder y los Jackson Five.


Pero 1973 todavía no se terminaba y Barry tenía mucho más para demostrar. La Love Unlimited Orchestra edita Stone Gon´ y colocan otro tema en los charts, esta vez con la voz de Barry al frente. El combo era demoledor, una voz grave en pleno boom de las voces agudas, una orquesta clásica cuando ya nadie les daba bola y un ritmo poderoso y contagioso en extremo. Never, Never Gonna Give You Up era el tema del momento.




1974 arrancaba con Barry sonando en todas las discos del planeta, y el éxito aún no había alcanzado su punto máximo. Can’t get enough, estaba saliendo a la calle y ya se percibía en la primera reproducción que iba a hacer historia. Se convirtió en el disco más exitoso de su carrera y uno de los más vendidos del siglo XX. No era para menos, si tenemos en cuenta que contaba en su listado con Can’t get enough of your love, babeYou’re the first, my last, my everything,


En los setenta, el Soul terminó derivando en su hermano más odiado por los puristas -y por los músicos en general- que fue la Disco Music. A pesar de ello, Barry White ya había llegado antes que todos a copar las discotecas, sin perder la calidad de sonido, de composiciones complicadas, de arreglos soberbios y de letras sugerentes, sin llegar a lo obseno. Barry hizo del romanticismo una marca registrada y, a pesar de sus perfectas composiciones, no dudó en grabar covers de otros artistas. Así y todo, les daba un toque tan personal, que el tema parecía pertenecerle. Tal fue el caso de Just The Way You Are, de Billy Joel, que fue más popular por la versión de White que por la del gran Billy.


La carrera de Barry continuó por las décadas siguientes de un modo particular. Sus discos no eran exitosos en los charts, pero se vendían como si lo fueran. Se había convertido en un artista de culto para millones de personas. En los ´90 se hizo popular para nuevas generaciones gracias a la televisión, siendo uno de los primeros famosos en poner voz para su propia caricatura en Los Simpsons, como sus numerosas apariciones en Ally Mc Beal. En 2002 su hipertensión crónica no le permitió resistir la espera de un transplante renal y abandonó este mundo, no sin antes dejarnos un legado único en lo que se refiere a música, ritmo, sensualidad y buen gusto. 




Espero que no se hagan los otarios y cuenten cómo la pasaban en los asaltos y/o bailes con estas canciones.